Material-Erde

Sehr geehrte Damen und Herren,

„Material-Erde“ heißt die Ausstellung der Malerin Karin Gier, in der Werke aus den letzten Jahren zusammengestellt sind. Wer die Künstlerin noch nicht kennt, ist über den Ausstellungstitel vielleicht zunächst verwundert. Doch tatsächlich basiert die Kunst von Karin Gier auf der Verwendung von Erden und damit auf einem für uns Menschen fundamental wichtigen Material, das schon in prähistorischen Zeiten verehrt wurde. Aber nicht nur das: seit Menschengedenken verwenden die Menschen farbige Erden auch, um damit zu malen. Bereits in der steinzeitlichen Höhlenmalerei, die mindestens 40.000 Jahre alt ist, wurden Erdfarben verwendet und sicher hat man auch schon damals angefangen, Erden zur Körperbemalung zu nutzen, so wie wir es bis heute aus verschiedenen Kulturen kennen – ja selbst in unserer heutigen Schminke sind häufig Erden enthalten.In der griechischen Mythologie wird die Göttin Gaia als Erdmutter angebetet, als Erde, aus der wir kommen, die uns trägt, auf der wir unser ganzes Leben laufen und in die wir dereinst wieder sinken werden; als Göttin Demeter ist sie die fruchtbare Erde, die den Pflanzen alle wichtigen Nährstoffe bereit hält, die Ackerbau ermöglicht und uns damit ernährt. Schon in frühester Kindheit nehmen wir Kontakt mit dem Material Erde auf: es gibt wohl kein Kind, das nicht mit Leidenschaft mit Sand und Erde matscht, Löcher buddelt und Sandburgen baut; kein Kind, das seine kleinen Finger nicht in Ritzen und Fugen steckt und so manches nimmt auch eine Kostprobe in den Mund. Das Erleben von Erde in seiner unterschiedlichen Konsistenz gehört zu den Urerfahrungen von uns Menschen. Dabei wird deutlich, dass Erde nicht gleich Erde ist, denn sie kann feinkörnig, grob, matt, glänzend, schwer, leicht, schmierig oder bröckelig sein – um nur einige Eigenschaften aufzuzählen – und sie kann ganz unterschiedliche Färbungen besitzen. Jede Landschaft ist geprägt durch die Farbe ihres Bodens und gar nicht selten findet sich diese Farbe dann auch in den Dörfern und Städten wieder, denn die Menschen verwenden das Bodenmaterial zum Bau ihrer Häuser und für deren farbige Gestaltung. In diese jahrtausendealte Tradition reiht sich Karin Gier mit ihren Erd-Bildern ein. Wie sie berichtete, empfindet sie seit Kindertagen eine magische Anziehungskraft zur Erde. Durch die Nähe zum Braunkohle-Abbaugebiet hat Karin Gier die Möglichkeit, an Erden ganz unterschiedlicher Qualitäten zu kommen. Die Farbenvielfalt reicht von Braun, Grau, Ocker, Rot, Orange, Weiß bis zur schwarzen Kohle. Die Rheinische Post betitelte vor einiger Zeit einen Artikel über den Tagebau Garzweiler mit den Worten „Erde so bunt wie ein Malkasten“. An den Abbaukanten zeigt sich die erdgeschichtliche Entwicklung in deutlich sichtbaren Schichten. Man erkennt Mutterboden, Löss, Kies, Sand, Relikte eines Meeres und natürlich Kohle. Wie in einem Buch können die unterschiedlichen Phasen in farbigen Streifen, Schlieren und Flecken abgelesen werden. In einigen Werken, wie dem auf der Einladungskarte abgebildeten Bild, meint man dann auch, die direkte Inspiration der durch den Tagebau sichtbar gewordenen Erdschichten ablesen zu können. Tatsächlich ist Karin Gier erfüllt von Ehrfurcht vor dem Alter und der Schönheit dieses seit Urzeiten gewachsenen Bodens. Sie sieht die Erde als eine Art historisches Archiv, in dem die Geschichte unseres Daseins aufbewahrt wird. Stetigem Wandel und Veränderungen unterworfen, ist sie für Gier zugleich Sinnbild für das Leben und für den Prozess des Lebens insgesamt.Doch nicht nur aus der heimischen Erde entwickelt Karin Gier Farben, sie verwendet auch Marmormehl, rote Erde aus der Würzburger Gegend und ist überhaupt offen für faszinierende Farberden jeglicher Art.Aus diesem so alltäglichen und doch für sie so kostbaren Material fertigt sie sich durch aufwändige und oftmals auch kraftzehrende Vorbereitungen selbst ihre eigenen Farben. Um mit Erde malen zu können, müssen Steine und Erden so fein gerieben, gesiebt und behandelt werden, bis sie in einem Bindemittel aufgelöst und gebunden werden können. Verschiedene chemische Verbindungen, meist Metalloxide, sind dabei für die unterschiedlichen Färbungen zuständig. Die gewonnenen Farben zeichnen sich durch hohe Lichtechtheit und Stabilität aus, Qualitäten, die für die Maler aller Zeiten von großer Bedeutung waren. Karin Gier bringt ihre Farben dann mit Pinsel, Spachtel und den Händen auf die unterschiedlichen Bildgründe auf. Dabei verbindet sie eine archaische Technik mit modernen Elementen. Das Ergebnis sind Werke, die sich durch warme Farbtöne und besondere Ausdruckskraft auszeichnen.An dieser Stelle darf gesagt werden, dass Karin Gier nicht nur eine ungewöhnliche Malerin, sondern auch eine hervorragende Zeichnerin ist, die sich momentan intensiv mit asiatischer Kalligrafie auseinandersetzt. So kann es nicht verwundern, dass eine Blindzeichnung, das heißt eine Zeichnung, die sie tatsächlich mit geschlossenen Augen auf den Bildgrund bringt, ihr als erste Inspiration für ein neues Werk dient. Der Impuls aus dem Unterbewusstsein setzt also ein erstes, sehr persönliches Zeichen, das zur Basis des kreativen Schöpfungsaktes wird. Ausgehend von dieser Grundzeichnung bearbeitet sie das Werk so lange, bis die Zeichnung mit zahlreichen Schichten überdeckt und häufig komplett übermalt ist. Aufbruch und Umbruch sind dabei zwei wichtige Aspekte, denen sie im künstlerischen Prozess Raum gibt, wenn sie auch die unteren Bildschichten, die durch das Aufbrechen oder Ablösen der Oberflächen sichtbar werden, für ihre Kompositionen nutzt. „Unter der Haut“ befinden sich immer weitere Schichten und manchmal kommen die Blindzeichnungen auch schemenhaft wieder an der Bildoberfläche zum Vorschein. Sie wirkt dann wie ein fernes Zeichen aus dem Untergrund, das auf seine ursprüngliche Bedeutung hinweist. Die „Geschichte“ des Bildes bleibt erahnbar und die Sichtbarmachung des Entstehungsprozesses wird Teil der Bildaussage. (Evtl. Hinweis auf die großen Bilder)

Unverdeckt und deutlich erkennbar ist das zeichnerische Element, in dem Bild „Brücke“, bei dem Karin Gier mit großer Geste ein Bildzeichen auf den Untergrund setzt. Es zeigt eine wackeligen Brückenbogen, der einen unsicheren, doch gangbaren Weg verspricht. In einem – zu einem anderen Zeitpunkt verfassten- Gedicht formuliert sie:

Die Brücke – Zur anderen Seite – Der Weg – Soll ich´s wagen – Mutig – Voller Zuversicht – Über die Brücke – Wird sie mich halten – Sie wackelt – Ist brüchig – Knarrt bei jedem Schritt – unter meinen Füßen – Nicht runter schauen – Die Tiefe lauert unter Steinen – Jahrhunderte lang – Mein Weg - UnendlichWie gesagt: bei den meisten Werken ist die Ursprungszeichnung jedoch von vielen Farbschichtungen so pastos überdeckt, dass ein sowohl optisches, als auch haptisches Erleben des Werkes möglich wird. (Bitte nur mit Genehmigung der Künstlerin)Es ist ein zeitintensiver Werkprozess, bei dem jede Farbschicht komplett in einem Arbeitsschritt auf das Bild aufgetragen werden muss, da nachträgliche Änderungen einer Schicht nicht mehr möglich sind. Dies erfordert eine ganz andere Arbeitsweise und Planung als bei der klassischen Malerei. Das Ergebnis eines Arbeitsganges birgt dabei oftmals Überraschungen, denn die Künstlerin weiß oft selbst nicht genau, wie das Material in der unterschiedlichen Schichtung reagieren wird. Der Zufall schafft Neues. Gerade beim Trocknungsprozeß können ganz unerwartete Strukturen und Farben entstehen, die dann von der Künstlerin aufgegriffen und bearbeitet werden. Ein vorhandenes Konzept wird während des Werkprozesses immer wieder losgelassen, um spontan und intuitiv auf das Bild reagieren zu können. Das Ziel ist der sichtbare Dialog zwischen Werk und Künstlerin, die bestimmte Prozesse fördern, lenken und verhindern kann, doch auch zulassen muss, dass die Naturmaterialien nach eigenen Gesetzen arbeiten. „Lenken und Zulassen“ sind prägende Grundsätze im Kunstschaffen der Künstlerin und sie sieht darin durchaus Parallelen zum Leben. Ganz neu ist hier in der Ausstellung die 6er Serie von quadratischen Bildern auf Holz, die bei unserem ersten Treffen nur ihre erste Sandgrundierung erhalten hatten und nun vollendet sind: Die Serie greift verschiedene Themen auf und wurde als Einheit entwickelt – zugleich kann jedes Werk für sich stehen.Karin Gier liebt eigentlich das große Format und würde gerne noch viel größer arbeiten, wenn sie den Platz dazu hätte. Nichtsdestotrotz hat sie also auch eine Reihe von kleinformatigen Werken geschaffen, die trotz ihrer geringen Größe eine starke Aussagekraft haben und ihre besondere Aufmerksamkeit verdienen.Durch die Materialität der Erdfarben überschreiten viele Werke die Grenzen der Malerei und sie werden zudem durch die Verwendung von Fundstücken zu dreidimensionalen Assemblagen. So verwendet Karin Gier z.B. noch nicht ganz versteinerte Fasern des Mammutbaumes, die in manchen Schichten des Tagebaus zu finden sind. Fasziniert von der Widerstandsfähigkeit und besonderen Schönheit dieser jahrtausendealten Fasern, widmete sie ihnen eine eigene Bildserie: Auf dem ersten Bild wurden die meisten aufgebrachten Faserstreifen nachträglich wieder abgenommen, bleiben aber in den vielen, opak aufgebrachten und z.T. wieder abgewaschenen Schichten sichtbar. Diese Waschungen, bei denen die Farben nur partiell und nicht als komplette Farbflächen stehenbleiben, lassen die Oberflächen lebendig werden. Auf zahlreichen Werken angewendet, ist diese ungewöhnliche Technik ein wichtiges Stilmittel der Künstlerin. Das zweite Bild greift die lineare Struktur der Fasern kompositionell auf und nutzt sie als zeichnerische Geste. Eingebettet in Schichten von Kohle und Lehm kehren die Fasern in die Erde zurück, aus der sie stammen. Im dritten Bild werden die Fasern zu einem schwebenden Kreis verbunden, der ikonographisch für die Ewigkeit steht. In ihm bringt die Künstlerin ihre Ehrfurcht vor dem Alter der Fundstücke zum Ausdruck. Auch für andere Fundstücke hat sie bereits ungewöhnliche Bildlösungen gefunden: Der Zunder aus der Schwerindustrie hat eine große haptische Wirkung. Die opake Oberflächenstruktur des verkohlten Metalls wirkt hier wie eine Baumborke. Eine Assoziation, die sich auch bei anderen Werken einstellt, und die auf die Faszination der Künstlerin für gewachsene Strukturen verweist. Der Zunder liegt in dicken Batzen auf der Leinwand und ohne, dass Farbpigmente verwendet wurden, entstanden während der Verarbeitung blaumetallische Bereiche auf dem Bild. Ähnlich überraschend war der nachträgliche Oxidationsprozeß bei den verwendeten Eisenspänen aus der Stahlindustrie, die anfingen zu rosten, so dass die wolkigen Grautöne eine neue Farbschattierung erhielten. Zwei weitere Werke zeigen wiederum Kompositionselemente, mit denen sie die Linearität von verrosteten Packbändern aus Eisen aufgreift. Hier ließ sie sich von deren Geradlinigkeit zu rasterartigen Bildstrukturen leiten, die jedoch sogleich wieder aufgebrochen werden. Auch hier greift sie also das Thema von Struktur und Auflösung, Ruhe und Bewegung in ihrer Komposition auf.Für ihre Assemblagen ist Karin Gier immer auf der Suche nach ungewöhnlichen Fundstücken, die von einer ganz besonderen Geschichte gezeichnet wurden und deutliche Abnutzungs- und Verwitterungsspuren aufweisen. So besucht sie die verlassenen Orte, die dem Bergbau weichen müssen oder sucht bei Niedrigwasser die Rheinufer nach Objekten ab, die in ihrer ungewöhnlichen Ästhetik die Erinnerung an ihren ehemaligen Zustand in sich tragen. Karin Gier ist davon überzeugt, dass alles in eine große Geschichte eingebunden und keine Energie verloren geht. Die Dinge verändern sich, doch Abdrücke des Gewesenen bleiben bestehen. Schönheit entsteht durch Verwandlung und aus der Zerstörung kann Neues entstehen. Alles ist in einem ewigen Transformationsprozeß eingebunden. Damit ist jeder Verlust zugleich die Chance für etwas Neues, Unerwartetes. Mit dieser Lebensphilosophie feiert Karin Gier die Schönheit des Wandels. Mit offenem Blick sucht sie den Reichtum gerade auch im Kleinen und gering Erscheinenden, das sie in ihren Werken dankbar würdigt. In ihrem Atelier lagern noch zahlreiche Erd- und Objektschätze in vielen Kisten und Kästen in einer Art Archiv und warten auf ihre Verwendung. Durch den Blick der Künstlerin werden sie eines Tages aus ihrem schnöden Dasein in eine neue Bedeutungsebene gehoben werden.

Vielen Dank!

Carola Gries (Kunsthistorikerin)Rede anlässlich der Eröffnung am 3.2.2019 im Kulturbahnhof Korschenbroich